1
краткая биография
1933 — 1940
Йоко Оно родилась в Токио 18 февраля 1933 года в аристократической семье. Отец Йоко занимал руководящую должность в американском представительстве Bank of Japan, из-за чего семья жила на несколько городов (Сан-Франциско, Нью-Йорк, Токио). Йоко с детства свободно владела английским, занималась музыкой — ее отец в молодости был пианистом, а тетя, Анна Бубнова (сестра художницы Варвары Бубновой) — скрипачка, воспитавшая два поколения японских скрипачей.


1941 — 1951
Годы Второй Мировой войны семья Оно проводит в Японии. Бомбардировка Токио американскими войсками в последние месяцы войны заставляет мать Йоко эвакуироваться вместе с детьми (у Йоко младшие брат и сестра) в сельскую местность. В течение этих месяцев национальная экономика разваливается, по стране свирепствует голод, который затрагивает и семью Йоко.


1951 — 1954
Йоко поступает в университет Гакусюинна (высшее образовательное учреждение, открытое специально для потомков японской аристократии) и становится первой в истории университета женщиной, обучающейся на факультете философии. Здесь Йоко знакомится с экзистенциализмом и марксизмом, а также увлекается пацифистскими идеями, которые активно пропагандируются в интеллектуальных кругах послевоенной Японии. В 1953 году Йоко переезжает в Нью-Йорк и поступает в колледж Сары Лоуренс, где в последующие несколько лет обучается литературе и музыке, намереваясь стать оперной певицей.
1955 — 1960
В Нью-Йорке Оно знакомится с местными художниками и музыкантами. В 1956 году Оно выходит замуж за японского композитора Тоси Итиянаги, который вскоре поступает репетиционным пианистом в труппу Мерса Каннингема. Благодаря мужу Йоко входит в круг общения Джона Кейджа, с которым она впервые знакомится на лекциях Дайсэцу Судзуки о восточной философии.

В этот период Оно впервые заявляет о себе как о независимом художнике. В 1955 году она создает свою первую инструкцию "Свет" (Lighting Piece), став одной из тех, кто стоит у истоков создания "событий-партитур".


1960 — 1961
Оно снимает студию на Чеймберс-стрит, которая в эти годы становится одной из главных арт-площадок города. Здесь Йоко вместе с композитором Ла Монте Янгом организовывает события и концерты (Тоси Итиянаги, Генри Флинта, Роберта Морриса). Ее студию посещают Марсель Дюшан, Пегги Гуггенхайм, Джордж Мачьюнас.

В 1961 году проходит первая персональная выставка Йоко в галерее Джорджа Мачьюнаса AG, на которой художница представляет инструкции для живописи. Эта выставка становится одной первых выставок концептуального искусства. Часть работ сегодня известна исключительно благодаря фотографиям, сделанным Мачьюносом (Painting to be Stepped On, Smoke Painting, Waterdrop Painting). В том же году Йоко выступает с перформансами, в которых участвуют такие художники как Джордж Брехт, Джонас Мекас, Ивонн Райнер, Ла Монте Янг, Триша Браун.
1962
Йоко возвращается в Японию (где пробудет до 1964 года). Здесь, в Sogetsu Art Center проходят выставка и концерт Йоко. Выставка "Работы Йоко Оно", представляющая "инструкции для живописи", становится первой выставкой концептуального искусства. Йоко так же принимает участие в перформансе находящегося на тот момент в Японии Джона Кейджа "Музыкальная прогулка" (Music Walk).

В этом же году Йоко расстается с мужем и переживая кризис, ложится в психиатрическую клинику. Во время лечения знакомится с композитором Тони Коксом.

1963 — 1964
Йоко выходит замуж за Тони Кокса. В августе у них рождается дочь Кёко.

Вместе с Найм Джун Пайком Йоко участвует в перформансах группы Hi Red Center.

В мае 1964 года Йоко впервые представляет "Утренний мир" (Morning Piece). В июле 1964 года Йоко публикует "Грейпфрут" — книгу с инструкциями.

В рамках мероприятия "Contemporary American Avant-Garde Music Concert: Insound and Instructuer" Йоко впервые исполняет "Отрежь" и "Мешок".

Осенью Йоко Оно и Тони Кокс переезжают в Нью-Йорк, где художница создает ряд работ, связанных с почтовыми открытками. Например, "Нарисуй круг", в рамках которого участники должны нарисовать круг на почтовой открытке и отправить его художнице из Эмпайер Стрит Билдинг.
1965
В Карнеги-холл проходит концерт "Новые работы Йоко Оно", в рамках которого художница представляет "Отрежь", "Стриптиз для троих" (три стула, неподвижно стоящие на сцене) и "Часы". Йоко принимает участие в мероприятиях Флюксуса — представляет "Мешок" и "Биение" в рамках Perpetual Fluxfest Presents Yoko Ono (во время перформанса "Биение" Оно, Нам Джун Пайк, Энтони Кокс, Сигэко Кубота и другие участники Флюксуса лежат друг на друге и слушают биение сердец друг друга) и "Кусочек неба для Иисуса Христа" (SKY PIECE TO JESUS CHRIST) в рамках Fluxorchestra в Карнеги-холл (участники Флюксуса обматывают бинтами музыкантов до тех пор, пока те не теряют возможность исполнять музыку).
1966 — 1967
Йоко едет в Лондон, чтобы принять участие в «Destruction in Art Symposium» (9 - 11 сентября 1966 года), после чего решает остаться в городе.

В галерее Indica проходит персональная выставка Оно. За день до ее открытия Йоко знакомится с Джоном Ленноном, приглашенным на предпоказ. Леннона особенно впечатляют три работы: "Яблоко", "Картина, чтобы забить гвоздь" и "Картина на потолке".

Оно снимает полнометражную версию фильма "Ягодицы", который запрещают к показу из соображений цензуры. Художница организовывает мирный протест и фильм все-таки выходит в прокат 8 августа 1967 года.

В октябре 1967 года в Lisson Gallery проходит персональная выставка Йоко "Half-A-Wind-Show", в рамках которой впервые демонстрируются работы "Половинчатая комната" и "Небесные бутыли" (одна из первых совместных с Ленноном работ).
1968
Йоко Оно активно сотрудничает с Джоном Ленноном — как музыкант и как художник. В 1968 году они проводят акцию "Желудь" — сажают два желудя в парке кафедрального собора в Ковентри. В ноябре в Чикаго проходит премьера их двух фильмов "Два девственника" и "Фильм №5 (Улыбка)". В том же году выходит их совместный альбом "Неоконченная музыка №1: Два девственника", на обложке которого нагие Йоко и Джон держатся за руки (ее публикация в Rolling Stone вызывает скандал).


1969
20 марта Оно и Леннон вступают в брак на Гибралтаре

В прокат выходит совместный фильм Йоко и Джона "Изнасилование".

Пара устраивает ряд совместный акций в поддержку мира во всем мире.

С 26 мая по 2 июня 1969 года молодожены проводят в кровати гостиничного номера в Монреале, общаясь с журналистами и призывая прекратить войну во Вьетнаме (акция "В постели за мир") и записывают песню "Give Peace a chance", которая становится одним из первых треков их совместной группы "Plastic Ono Band".

Еще одна важная акция — "Война закончится. Если вы этого захотите" (War is Over. If you want it) — серия плакатов, которые Йоко Джон размещают на билбордах 12 мировых столиц (Нью-Йорк, Лос-Анджелес, Торонто, Рим, Афины, Амстердам, Берлин, Париж, Лондон, Токио, Гон-Конг и Хельсинки).
1971
Йоко снимает фильмы "Муха" и "Свобода".

В Everson Museum of Art (Нью-Йорк) проходит ретроспективная выставка "Это не здесь". С организацией и изданием каталога Йоко помогает Джордж Мачьюнас, который так же разрабатывает так называемую "коробку-каталог" (Catalog Box). На выставке Йоко впервые представляет работу "Водное событие", в которой принимает участие более 100 человек (Джон Кейдж, Джозеф Корнелл, Ричард Гамильтон, Аллан Кэпроу, Энди Уорхол, Боб Дилан).

Оно устраивает воображаемую выставку MUSEUM OF MODERN (F)ART). Художница размещает объявления о выставке в журналах Village Voice и Artforum и выпускает каталог. Также вместе с Ленноном Йоко снимает документальный фильм, в котором гости рассказывают о посещении несуществующей выставки.


1972 — 1976
В начале 70-х Оно и Леннон переезжают в Нью-Йорк.

Продолжительное время Ленноны находятся на грани высылки из Соединённых Штатов в связи с обвинениями по делу о хранении наркотиков

В 1972 году Оно принимает участие в выставке Документа 5.

В 1973 году Оно и Леннон расстаются и воссоединяются в 1974. В 1975 году у них рождается сын Шон.

1980
8 декабря Джона Леннона убивают около двери его дома. 14 декабря Йоко Оно предлагает организовать по всему миру десятиминутную акцию молчания в память о Джоне.


1989
После почти 20-летнего перерыва Йоко возвращается в искусство. В музее Уитни проходит ее персональная выставка "Йоко Оно: объекты, фильмы", на которой художница представляет свою новую серию бронзовых скульптур (по большей части, представляющих диалог с работами 60-х). Следом за ней - выставка "Йоко Оно: бронзовый век" проходит в ряде американских и европейских городов. Одним из кураторов выставки становится Джон Хендрикс (представитель Флюксуса), который с тех пор будет участвовать во многих проектах Оно.


1990
Йоко принимает участие в Венецианской Биеннале (центральной темой в этот год становится Флюксус) с работами "Желать", "Половина комнаты" и "Кусочек неба для Иисуса Христа".

Персональные выставки Йоко проходят в США, Дании, Норвегии, Италии. Названия выставок отсылают к ранним произведения художницы (Yoko Ono: Insound / Instructure).


1992
Выходит ONOBOX CD, включающий как новые, так и старые записи


1994
Оно разрабатывает идеи публичных событий. Одним из них становится "Йоко Оно: радость быть человеком" (Yoko Ono: A CELEBRATION OF BEING HUMAN) в Лангенхагене — Йоко развесила по городу в качестве рекламных постеров фотографии с изображением ягодиц.


1996 — 1999
Йоко становится одной из первых художниц, принимающих участие в интернет-выставках. "Йоко Оно: шоу одной женщины" — интернет-выставка, представленная на сайте Лос-Анджелевского музея современного искусства. Йоко так же принимает участие в "Internet 1996 World Exposition" с проектом "Желудь: 100 дней с Йоко Оно" — в течение 100 дней Йоко публикует в интернете по одной новой инструкции в день.

Йоко продолжает устраивать персональные выставки и принимать участие в групповых шоу.


2000 — 2002
Выставка "Да" Йоко Оно на протяжении 2000 года проходит в Нью-Йорке, Северной Америке, Корее и Японии.


2003
В год своего семидесятилетия в Париже Йоко представляет перформанс "Отрежь".
2004
Принимает участие в Ливерпульской биеннале с проектом "Моя мама красивая" (MY MUMMY IS BEAUTIFUL) - по всему городу Йоко размещает баннеры, постеры и открытки с изображением женской груди.


2007
В память о Ленноне устанавливает в Рейкьявике работу IMAGINE PEACE TOWER ("башня" образуется благодаря прожекторам, вмонтированным в пьедестал из белого камня, на котором высечены слова «Представьте себе мир». Прожекторы работают в период с 9 октября (день рождения Леннона) до 8 декабря (день смерти), а также неделю за Зимним солнцестоянием, в канун Нового года и неделю за весенним равноденствием.


2008
В Kunsthalle Bielefeld (Германия) и Baltic Art Center (Швеция) проходит ретроспективная выставка "Йоко Оно: между небом и моей головой", в рамках которой многие концептуальные работы впервые представляются в виде объектов.
2009
На 53-ей Венецианской Биеннале Йоко вручают Золотого Льва.

Группа Ono Plastic Band (ее участником стал Шон Леннон) выпускает альбом "Между моей головой и небом" - первый альбом группы, который группа выпускает после смерти Леннона.


2010 — 2013
Получает множество наград за свой вклад в искусство - Horoshima Art Prize, the Oscar Kokoshka Prize, Lifetime Achievement Award.

Продолжает активно участвовать в мероприятиях, пропагандирующих мир во всем мире. В 2012 году Оно присваивает русской художественной группе Pussy Riot награду LennonOnoGrants for Peace, которую художница учредила в 2002 году.


2016
Йоко переносит инсульт
2
американское искусство 50—70ые
1950 осмысление опыта войны
Время расцвета абстрактного экспрессионизма («живописи действия»). Это было первое движение абстрактного искусства в США. Школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Единственная функция искусства — действие, которое выполняет сам художник. Наиболее важное в творчестве: автоматизм — творческий процесс, а не получаемый результат. Его принцип заключался в отказе от предварительного замысла и планомерно построенной формы. Художник культивировал спонтанную манеру письма и свободные импровизации на холсте.

Главные имена: Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг.

Локальная и глобальная предпосылки: у художников стремление писать как будто с нуля (боролись с чувством неполноценности по отношению к европейскому авангарду, с которым были очень хорошо знакомы, в Нью-Йорке до Второй Мировой не было значимой художественной сцены) + увлечение концепцией бессознательного (как вариант возможного объяснения жестокости и иррациональности человека во время Второй Мировой).
почему в 60-ые искусство стало другим?

Конец 50 — начало 60-х годов известны как период социальной напряженности, антивоенных выступлений, выступлений против расовой дискриминации, борьбы за права женщин. В подобной ситуации многие художники осознали, что не могут мириться с крайне популярным в те годы абстрактным экспрессионизмом, глубоко аполитичным по содержанию — писать картины в уединенных мастерских в то время, когда в мире столько злободневных политических проблем, стало признаком социальной безответственности художника. Этот политический настрой порождал высказывания и жесты в стиле дада, позволявшие атаковать художественные ценности истеблишмента, в частности представление об искусстве как о чем-то возвышенном. Художники переключаются на повседневность - фокусируют взгляд на рутинных действиях, используют для создания произведения все, что находится под рукой. Этому интересу способствует так же увлечение многими художниками (во многом благодаря Кейджу) буддистской философией.

50ые — 60ые годы — период расцвета общества потребления, против которого также выступают художники этого периода. Пассивному зрителю (=потребителю) они противопоставляют активного участника события. Для большинства художников активный, включенный в произведение зритель — это еще и активный гражданин, который способен реагировать на социальную и политическую ситуацию в стране. Говоря о том, что «каждый человек - художник», Йозеф Бойс имел в виду именно это - что каждый человек способен, реализовав свой креативный потенциал, изменить общество к лучшему.
1960 поп-арт
Художники поп-арта выступили с критикой абстрактного экспрессионизма, сделав массовую культуру предметом своего искусства. В основе стратегии поп-артистов — оперирование образами массовой культуры, и если исторический авангард противопоставлял себя обывательскому вкусу и обывательским ценностям, то попартисты возвели их в культ. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации: печать, телевидение, кинематограф.

Главные имена: Энди Уорхол, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн.

середина 60-ых. минимализм
Искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней декоративности или экспрессивного жеста. Скульпторы-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие как сталь, пенопласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто — большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, зато рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусстве на протяжении 1950-х годов.

Главные имена — Карл Андре, Дональд Джадд, Дэн Флавин.
середина 60-ых. флюксус
Не проводил различий между искусством и жизнью и считал, что рутинные, банальные, каждодневные действия следует рассматривать как художественные события, утверждая, что « все есть искусство и каждый способен его делать». Основатель: Джордж Мачюнас, имена: Йозеф Бойс, Нам Джун Пайк.

Основной принцип — абсолютная спонтанность, произвольность, отказ от любых ограничений, что достигалось такими формами, как хэппенинг, деколлаж, различные уличные акции и представления, антитеатр. Движение «Флюксус» возникло в тот решающий момент, когда послевоенные художники начали избавляться от доминирующего влияния американского абстрактного экспрессионизма. одна из главных форм Флюксуса — перформанс — обязательно должна включать четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношения художника со зрителем. Перформанс был максимально отдалённой от коммерциализации формой искусства, в рамках которого публика принимает прямое участие в творческом процессе и ведёт диалог с художником.

середина 60-ых — 70-ые. концептуализм
Возник под влиянием практик Флюксуса и минималистов (позже Флюксус отнесли к концептуализму, а некоторые минималисты сами стали концептулиастами). Один из главных концептуалистских вопросов: кто дал автору право это свое «я» манифестировать? Для концептуалистов сама необходимость личного присутствия автора в произведении оказывается скомпрометированной. Личное присутствие — это манера, почерк, любое слово от первого лица, и все это интерпретируется как ничем не обоснованная претензия на власть. Просто на власть, явленную в утверждении: я автор, это мое пространство, я сделал что-то, чего до меня в мире не было. И такое властное посягательство отрицается, подвергается ироническому снижению, игровой деконструкции. Потому что исходный тезис состоит в том, что все в мире уже было, все уже сказано и произнесено, и теперь время разбираться с этим сказанным, как с кубиками, на которые распалась прежняя целостность. Разбираться с возможностями искусства, его границами, его контекстами. Наиболее важным отличием концептуализма от других направлений в искусстве XX века - однозначный приоритет идей над материалом и формой.в полной мере объект концептуального искусства существует лишь в сознании зрителя.

Главные имена: Джозеф Кошут, Сол Левитт


флюксус


история и название
Флюксус возник в конце 1950-ых — начале 1960-ых годов в Америке и получил международный охват. Во главе Флюксуса стоял Джордж Мачьюнас (на фотографии слева) — американский художник и композитор литовского происхождения. Другие известные представители: Джордж Брехт, Ла Монте Янг, Йоко Оно, Нам Джун Пайк, Йозеф Бойс, Элисон Ноулз. Представители Флюксуса связывали себя с эстетикой дадаистов (их «антиискусством»), Мачьюнас даже предлагал название «нео-дада», но получил запрет на использование этого названия от Ханса Рихтера и был вынужден найти новое название. Название (было выбрано Мачьюнасом около 1961 года) — производное от латинского «fluere» (струиться, течь).
чем занимались?
Цель Флюксуса — это слияние в одном «потоке» различных способов художественного выражения и средств коммуникации конкретной и электронной музыки, визуальной поэзии, движения, символических жестов. Отсюда основные формы деятельности: концерты, фестивали, хэппенинги, перформансы, емэйл-арт, уличные акции.

Флюксус не проводил различий между искусством и жизнью и считал, что рутинные, банальные, каждодневные действия следует рассматривать как художественные события, утверждая, что «все есть искусство и каждый способен его делать». Искусство Флюксуса предполагало непосредственное участие зрителей.

манифест
В 1962 году был озвучен манифест Флюксуса: «Очистите мир от буржуазной болезни, «интеллектуальной», профессиональной и коммерческой культуры, очистите мир от мертвого искусства, имитации, искусственности, абстрактного искусства, иллюзионистского искусства, материального искусства, — очистите мир от «европанизма»! Продвигайте революционную волну в искусстве, продвигайте жизнь в искусстве, продвигайте антиискусственную реальность, чтобы быть понятными для всех, не только для критиков, любителей и профессионалов. Сплавляйте культурную, социальную и политическую революции в единый фронт и действие».
направление или группа?
Искусствоведы и сами участники Флюксус до сих пор спорят о том, считать ли Флюксус направлением или группой художников. Авторы книги «Искусство с 1900 года» определяют Флюксус как течение, Википедия — направление, Кен Фридман (участник и биограф Флюксуса) в составленной им хрестоматии Флюксуса пишет: «Снова и снова, когда людей, связанных с Флюксусом, спрашивали, что это такое, они отвечали, что это не движение, а просто группа друзей или людей, имеющих схожие интересы" и приводит высказывание Джорджа Брехта: «У каждого из нас были свои представления о том, что такое Флюксус, и тем лучше. Так мы дольше протянем. Для меня Флуксус был группой людей, которые нашли общий язык, которые проявляли взаимный интерес к творчеству и личностям друг друга».
флюксус и Йоко Оно
В 1961 году Йоко познакомилась с Джорджем Мачьюнасом. В этом же году Мачьюнас устроил выставку Йоко в своей галерее AG (в своем дневнике Йоко вспоминала о том, как они с Мачьюнасом однажды вообразили, что уже продали ее инструкции за 400 долларов, и от радости пустились танцевать по комнате"). С этого времени Йоко можно считать участников Флюксус.

Несмотря на то, что Йоко оказывается в составе группы практически с самого ее образования, фамилия художницы не упоминается в связи с главными событиями Флюксуса. Одна из причин — переезд Йоко в 1962 году в Японию (вернулась только в 1964 году).


фильмы флюксус
Флюксус начинает делать фильмы в 1966 году, когда у Джорджа Мачьюнаса появляется высокоскоростная камера (по словам Йоко, раньше снимать кино было просто не на что, не было ни камеры, ни денег). Первым фильмом Флюксуса стала "Спичка" Йоко Оно.

Классические фильмы Флюксуса: «От входа к выходу" Джорджа Брехта (1965) — в течение 6 минут зритель наблюдает как написанное белым на черном слово "вход" переходит в написанное черным на белом «выход» через смену белого поля черным. И "ARTYPE" Джорджа Мачьюнаса — изображение сменяющих друг друга точек и линий.

Фильмы Флюксуса посвящены исследованию возможностей медиа. Они не рассказывают истории, не документируют событии, а фокусируются на отдельных, незначительных действиях.


что читать или смотреть?
Лекция Ирины Кулик о Джоржде Мачьюнасе

Коротко и ёмко

Книга Искусство с 1900 года (стр. 494-501)
позднее выложим скан
музыка

Йоко Оно с детства занималась музыкой (скрипка, пианино), а в Нью-Йорке училась вокалу и вращалась в кругу прежде всего музыкантов, а не художников. Первый муж Йоко — композитор Тоси Итиянаги, второй — композитор Тони Кокс, третий — певец и композитор Джон Леннон. На протяжении всей своей карьеры художника Йоко Оно параллельно занималась авангардной музыкой, выступала с Ла Монте Янгом, записывала сольные альбомы и альбомы в соавторстве с Ленноном. Многие участники Флюксуса тоже профессиональные музыканты или люди, связанные с музыкой (Мачьюнас посещал курсы электронной музыки, Брехт родился в семье профессионального флейтиста, Дик Хиггинс и Ла Монте Янг — композиторы).
Джон Кейдж
На творчество Йоко Оно, как и большинства других представителей Флюксуса, огромное влияние оказали идеи композитора Джона Кейджа. В частности — идея, что все есть музыка (шорох листвы, потирание рук, скрип кресла и тд) и что случайные, повседневные звуки заслуживают не меньшего внимания, чем профессиональная музыка. В 1958-1959 году Кейдж вел курс в Новой школе социальных исследований, который посещали Джордж Брехт, Дик Хиггинс, Эл Хансен и Элисон Ноулз. Занятия Кейджа в школе состояли в том, что студенты показывали свои новые работы, как только их заканчивали, единственное ограничение было - использовать только то, что есть в классной комнате.

В искусстве Флюксуса прослеживается влияние буддистской философии, которой активно увлекался Кейдж. Под ее влиянием Кейдж настойчиво высказывался против оформленных композиций, которые звучали бы одинаково при каждом исполнении, — в пользу процесса, который исполнители должны реализовать самостоятельно, а порой в ходе развертывания процесса даже формировать материал, видимый и слышимый аудиторией. А также уделял большое внимание понятию случайности (часть своих произведений он создавал с помощью Книги Перемен).

Йоко не посещала курсов Кейджа, но с середины 1950-ых она входит в круг его общения благодаря Тоси Итиянаги (который работал репетиционным пианистом в танцевальной труппе Мерса Каннингема, для которой Кейдж сочинял музыку) и совместному посещению лекций о восточной философии ученого Судзуки.
что читать и слушать?
немного подробнее про Кейджа
и еще немного

книга "Критические биографии. Джон Кейдж" (стр. 66-78 / 87-88)
про влияние буддистской философии на Кейджа + его преподавание в Новой школе социальных исследований

самые известные произведения

4'33" почитать и послушать можно тут
Imaginary Landscape № 4
Джон Леннон
Йоко Оно и Джон Леннон познакомились в ноябре 1966 года в лондонской галерее «Индика», за день до открытия персональной выставки Йоко. На выставке в ММОМА будут представлены две работы, которые Леннон особенно тогда отметил — "Картина, чтобы забить гвоздь" и "Да".

С 1968 года Йоко и Леннон вместе снимали кино. Их первый совместный фильм — «Улыбка». Если идея совместного фильма принадлежала Оно, в титрах указано «фильм Йоко Оно», если Леннону — «фильм Джона Леннона». В 1972 году Оно и Леннон сняли фильм Джон Леннон и Йоко Оно: Imagine (киноколлаж их документальных записей, песен Джона и произведений Йоко).

Самая известная совместная работа Оно и Леннона — акция «В постели за мир». Целую неделю с 26 мая по 2 июня 1969 года молодожены провели в кровати гостиничного номера в Монреале, общаясь с журналистами и призывая прекратить войну во Вьетнаме.

Еще один важная работа - акция 1969 «Война закончится. Если вы этого захотите» (War is Over. If you want it) — серия плакатов, которые Йоко Джон разместили на билбордах 12 мировых столиц (Нью-Йорк, Лос-Анджелес, Торонто, Рим, Афины, Амстердам, Берлин, Париж, Лондон, Токио, Гон-Конг и Хельсинки). Плакаты были крайне лаконичные - черный шрифт на белом фоне. Спустя два года Леннон использовал этот слоган для своей песни "Счастливого рождества (Война закончилась)".

Так же в 1969 году Оно и Леннон создали совместную музыкальную группу "Plastic Ono Band".
борьба за мир и свободу
Волна послевоенной рождаемости в Европе была особенно высока, и на рубеже 50-60-х годов необычно большая часть общества оказалась состоящей из молодежи 13-19 лет. Их объединяло разочарование в организационно-коллективистских ценностях довоенной эры, в соответствовавших им нравственных постулатах, в возвышенных, а подчас и напыщенных словесно-идеологических формах их выражения; объединяло ожидание демократизации жизни, простоты, свободы и равенства, обещанных правительствами в ходе борьбы против гитлеровского тоталитаризма, но теперь не спешившими платить по векселям; объединяло стремление выразить свой протест, свое разочарование и свои ожидания на принципиально новом, еще не изолгавшемся языке - на языке бытового поведения, вкусов, вещей, способов организации досуга и материально-пространственной среды; объединяла потребность вырваться за пределы этики спускаемых сверху и внутренне ни на чем не основанных диктатов и запретов, за пределы культуры, монополизированной и регулируемой государством, вернуть этике и культуре прямое и простое, непосредственно человеческое содержание.

1960-е начинаются с пиковой точки противостояния СССР и США: Карибского кризиса (1962). После него в отношениях держав наступит разрядка, однако соперничество не прекратится. Главной новой сферой завоеваний станет космос, но одновременно с гордостью за успехи за пределами Земли в будет жить и память о едва не начавшейся атомной войне. Страх перед ядерной аннигиляцией породит в 1960-е массовые протесты с требованием начать разоружение.

«Дефицит души в обществе компенсируется в волшебной стране по имени "Битлз"».

1960-е в США были временем расцвета субкультурных и андеграундных движений. Самой массовой из субкультур стали хиппи: хотя еще в середине 1960-х никто не знал такого слова, после «Лета любви» в 1967 году и фестиваля «Вудсток» в 1969 году о них услышали все.
В США начинается вторая волна феминизма: женщины выступают против объективации, в том числе конкурсов красоты, требуют равных с мужчинами прав на работе и в быту. Один из главных лозунгов эпохи — «Личное — это политическое»: трудности женщин обусловлены не только их собственной жизнью, но и устройством общества. С поступлением в широкую продажу в 1960-е противозачаточных таблеток (The Pill) начинается сексуальная революция: провозглашены новые свободные отношения, то, что прежде считалось половой распущенностью, отныне признается нормальным.

Отличал 1960-е от других эпох гражданский активизм — точнее то, какой широкий размах он приобрел. В это время в США возникают движения в поддержку секс-меньшинств, за защиту природы. Студенты захватывают кампусы Беркли и Колумбийского университета — едва ли не самых престижных в стране. Некоторые акции заканчиваются массовыми столкновениями с полицией — например, на съезде Демпартии в Чикаго в 1968 году. Однако борьба за переустройство общества, прежде всего, была связана с движением за права темнокожих, которое вдохновило на отстаивание своих убеждений других. С помощью мирных выступлений и забастовок активисты добились огромных изменений: законодательного запрета на сегрегацию в общественных пространствах, транспорте, при устройстве на работу и съеме жилья. Усилия одного из лидеров движения Мартина Лютера Кинга в 1964 году были отмечены Нобелевской премией мира (застрелен в 1968).
инструкции
что такое инструкции?
Первой на выставке (еще в холле) зритель увидит карточку с напечатанным текстом: SPACE TRANSFORMER IS BEING BUILT.

Подобные карточки будут сопровождать зрителя на протяжении всей выставки. Эти карточки -—возможно, главный вклад Йоко Оно в историю современного искусства. С 1955 года Йоко создает тексты-инструкции — печатные руководства, приглашающие зрителя принять участие в создании произведения буквально (совершая физические действия) или используя свое воображение.

Правда карточка в начале выставки — не сама инструкция, а результат ее выполнения. Сама инструкция звучит так: "Прикрепите карточку с надписью SPACE TRANSFORMER в комнате или к объекту, который вы хотите трансформировать" (Attach a card saying SPACE TRANSFORMER to the room and/or object you wish to transform).
    На выставке инструкции будут представлены в двух форматах:

    1. как основа для произведений (в залах)
    2. как самостоятельные произведения (в коридоре)
    первые инструкции
    Первое произведение-инструкцию Йоко создала еще в 1955 году — «Свет» (Lighting Piece) — «Свет: зажгите спичку и наблюдайте за тем, как она гаснет». На сцене эту работу Йоко исполнила уже в 1961 году.

    На первой персональной выставке Йоко Оно в 1961 году в галерее AG (которую открыл Джордж Мачьюнас) были представлены работы, созданные по инструкциям. Например, "Картина, на которую можно наступить" (1960) — в галерее лежал кусок холста, по котором люди действительно могли пройтись.
    инструкции — это искусство
    По мнению Йоко Оно карточки являются произведениями уже сами по себе. Вне зависимости от того воспроизведены они или нет. На выставке в Sogetsu Art Center, Токио в 1962 году Йоко вместо того, чтобы показывать карточки с инструкциями вместе с воспроизведенными по ним объектам, демонстрировала только инструкции на японском языке, объединенные названием "Инструкции для живописи". Зритель мог создать произведение в голове, дома, или прямо в пространстве выставки.

    Выставка в Sogetsu Art Center стала одной из первых концептуалистских выставок, на которых идея сама по себе была представлена в качестве произведения искусства (она больше не была привязана к объекту) — еще до Кошута Йоко выставила в галерее только карточки с текстами).
    грейпфрут
    В 1964 году Йоко издала карточки-инструкции в виде книги "Грейпфрут".

    Книга была издана в Токио, где Йоко находилась с 1962 по 1964. Название Йоко выбрала, так как думала, что грейпфрут — это гибрид лимона и апельсина (на самом деле — помело и апельсина), так же как она сама — гибрид западной и восточной культур. Книга содержала более 150 инструкций, частично переведенных на японский, и была издана в размере 500 экземпляров (на деньги самой Йоко Оно - отсюда лаконичность дизайна). Инструкции были разбиты по разделам: Музыка, Картины, События, Поэзия и Объекты.

    Книга была переиздана в 1970 году с предисловием Джона Леннона ("Hi! My name is John Lennon. I'd like you to meet Yoko Ono …"). В этой книге были добавлены еще 80 инструкций и два раздела — Кино и Люди.

    желудь
    В 2013 году Йоко издала вторую книгу инструкций — "Желудь". В ней 100 инструкций, которые были рассчитаны на 100 дней 1996 года — 2008 Йоко повторила их в виде ежедневных интернет-постов. Название "Желудь" — в 1968 году Оно и Леннон посадили в парке собора Ковентри два желудя, объясняя это своим желанием мира во всем мире (один желудь смотрел на восток, другой — на запад).

    инструкции для всех
    Йоко говорит о том, что инструкцией может воспользоваться кто угодно — другой художник или зритель. По этой причине есть множество версий перформанса "Отрежь" (в отличие от того же перформанса Марины Абрамович "Ритм 0,10", который принадлежит только художнице).

    "У меня есть инструкции, и мне нравится просто показывать их людям, в надежде, что они, возможно, захотят какие-то воплотить. Это было бы здорово. Большинство моих фильмов представляют собой инструкции к фильмам: они на самом деле никогда не были сняты. Они существуют сами по себе, но было бы здорово, если кто-то реализовал бы их. Я не обязана делать их сама. Интересна сама их концепция; они не обязаны быть снятыми мною. И конечно каждый фильм заключает идею, которая может быть реализована в будущем. Если кто-то ее реализует, здорово. … Я хотела вовлечь публику совершенно новыми способами".
    невыполнимые инструкции
    Не все инструкции Йоко выполнимы (по крайней мере физически).

    Например: MAP PIECE. Draw a map to get lost. (1964) / КАРТА. Нарисуйте карту, чтобы потеряться.
    инструкции и дзен-буддизм
    Инструкции Йоко придуманы как варианты дзенских коанов. Это короткое повествование, вопрос, обычно не имеющие логической подоплеки, зачастую содержащие алогизмы и парадоксы, доступные скорее интуитивному пониманию.

    Коан — явление дзен-буддизма. Цель коана — придать определённый психологический импульс ученику для возможности достижения просветления или понимания сути учения. Европейским аналогом может служить христианская притча, но коан ни в коем случае не следует переводить или понимать так, поскольку ни мораль, ни религия почти никогда не имеют отношения к сути любого отдельно взятого коана). Зритель должен задуматься, может он их исполнить или не может.

    Тексты инструкций поэтичны, предельно камерны:

    ECHO TELEPHONE PIECE. Get a telephone that only echoes back your voice. Call every day and talk about many things. (1964) / ТЕЛЕФО-ЭХО. Достаньте телефон, который лишь отражает ваш собственный голос. Звоните каждый день и разговаривайте о разных вещах.

    HIDE-AND-SEEK PIECE. Hide until everybody goes home. Hide until everybody forgets you. Hide until everybody dies. 1964 / ПРЯТКИ. Прячься до тех пор, пока все не уйдут домой. Прячься до тех пор, пока все не забудут про тебя. Прячься до тех пор, пока все не умрут.

    Поэтичность текстов-инструкций, а также то, что они не обязательно рассчитаны на воспроизведение - отличает инструкции Оно от текстов-инструкций, которые создавали в это время другие художники.

    инструкции и музыка
    Тексты-инструкции (или как их еще называют, "партитуры событий") ассоциируются с течением Флюксус, которое возникло на рубеже 50-х — 60-х годов и представителем которого была Йоко.

    Изобретение "партитур событий" приписывают Джорджу Брехту (американский художник, композитор. При рождении — Джордж Макдиармид. Взял новую фамилию не в честь Бертольда Брехта, а потому что ему нравилось, как она звучит).

    Брехт в 1958-1959 году посещал курс композитора Джона Кейджа в Новой школе социальных исследований (а вместе с ним и другие участники Флюксуса - Дик Хиггинс, Эл Хансен и Элисон Ноулес в конце 50-х). Занятия Кейджа в школе состояли в том, что студенты показывали свои новые работы, как только их заканчивали, единственное ограничение было - использовать только то, что есть в классной комнате.

    Большинство участников Флюксус, под влиянием Кейджа, считали свои произведения музыкальными (у многих было музыкальное образование). Не случайно местами провидения "событий" как правило становились концертные залы.

    В отличие от Брехта, Йоко не посещала курсов Кейджа, но с середины 50-х она лично общалась с ним (ее муж, японский композитор Тоси Итиянаги работал вместе с Кейджем и Каннингемом) + в середине 50-х посещала одни с Кейджем лекции японского ученого Судзуки о восточной философии.
    инструкции и хайку
    Также под влиянием Кейджа многие тексты инструкций по форме напоминали хайку — жанр традиционной японской лирической поэзии вака.

    Оригинальное японское хайку состоит из 17 слогов, составляющих один столбец иероглифов — при переводе хайку на западные языки традиционно хайку записываются как трехстишия.

    В классическом хайку центральное место занимает природный образ, явно или неявно соотнесённый с жизнью человека. При этом в тексте должно быть указание на время года — для этого в качестве обязательного элемента используется киго — «сезонное слово».

    Хайку пишут только в настоящем времени: автор записывает свои непосредственные впечатления от только что увиденного или услышанного. Традиционное хайку не имеет названия и не пользуется привычными для западной поэзии выразительными средствами (в частности, рифмой).

    Искусство написания хайку — это умение в трех строках описать момент. В маленьком стихотворении каждое слово, каждый образ на счету, они приобретают особую весомость, значимость. Сказать много, используя лишь немного слов, — главный принцип хайку. В сборниках хайку каждое стихотворение часто печатается на отдельной странице. Это делается для того, чтобы читатель мог вдумчиво, не торопясь, проникнуться атмосферой стихотворения.

    подробнее про хайку
    изменения в инструкциях
    Текст некоторых инструкций со временем меняется. Оно либо уточняет детали, которые были упущены в первой версии, либо отказывается от каких-то действий — опираясь на опыт предыдущих воспроизведений этих инструкций. Например, в инструкции "Отрежь", опубликованной в новом издании "Грейпфрута" (1971) появилось уточнение "перформер не обязательно должен быть женщиной", которого не было в оригинальной инструкции поздняя версия инструкции "Картина, чтобы забить гвоздь" отличается тем, что если в оригинальной версии прибив гвоздь зритель должен был обмотать его прядью своих волос, то в поздней версии требования использовать волосы больше нет (эта версия будет на выставке).
    инструкции в ММОМА
    На выставке в ММОМА не будет оригиналов. Инструкции печатаются к открытию, инсталляции собираются согласно инструкциям из предметов, которые предоставляются самим музеем. Такой подход к оригиналу характерен для концептуального искусства (у истоков которого стоит Йоко), предложившего в 60-е годы новый подход к понимаю того, что является произведением искусства: не материальный объект, который выставляется в музее, а идея художника.
    перфоманс
    что такое перфоманс?
    Оксфордский словарь американского искусства определяет перформанс как «вид междисциплинарного и обусловленного временем высказывания, сосредотачивающего внимание на теле и психологической подготовке художника», достигшего своего пика в 1980-х, выросшего из хеппенинга, Флюксуса, концептуального искусства и элементов современного танца, также как и «периодов контркультурного индивидуализма и антикоммерциализации». Произведением оказываются само действие, его документация и взаимодействие художника с аудиторией. Художник заранее выбирает место и время перформанса, прописывает сце­нарий и предугадывает реакции зрителей — но, конечно, не застрахован от того, что что-то пойдет не так.

    Впервые слово «перформанс» было применено к своему произведению-действию композитором Дж. Кейджем в 1952 году, исполнившим на сцене «4′33″» (тишина в течении 4 минут 33 секунд — все внимание слушателей было перенесено на обычно незначительные шумы аудитории во время исполнения и на саму реакцию аудитории). В афише этого концерта значилось — перформанс.

    Перформанс — это отклик на современность. Часто междисциплинарен (связи с авангардным театром, музыкой), политизирован (художники больше не могут оставаться вдали от реальной жизни), провокативен (иначе сложно привлечь внимание к высказыванию).

    краткая история
    Истоки перформанса восходят к практикам уличных выступлений итальянских футуристов, клоунады дадаистов, скандальных акций русских кубофутуристов, театру немецкого Баухауза. Появление перформанса связано с желанием авангардных художников преодолеть ограничения традиционной живописи/скульптуры и "выйти в жизнь". Это было связано с острой социально-политической повесткой. Скандальные акции начала века приходились на период вокруг Первой мировой (а в России еще и революции), а после Второй мировой — осмысление травм войны и политический активизм послевоенной молодежи. Перформанс использовался художниками в качестве средства борьбы с условностями традиционного искусства, как способ «оживить формальные и концептуальные идеи, на которых основывается искусство».

    Имена: Марина Абрамович, Крис Бёрден, Вито Аккончи.
    что почитать и посмотреть
    Р.Голдберг "100 лет перформанса — от футуризма до наших дней"

    статья на Арзамас
    лекция Ирины Кулик про Криса Бердена и Марину Абрамович
    3
    план залов


    Первая работа "Преобразователь пространства"
    и все видео расположены на первом этаже музея.

    В коридоре третьего этажа — тексты инструкций,
    в залах — сами работы.

    4
    о выставке


    Выставка называется «Небо всегда ясное».
    Все работы выставки — восстановленные по инструкциям художницы перфомансы, а также фильмы, сами карточки инструкций и работа Водное событие / Water Event (1971), воссозданная при участии российских современных художников.

    Похожий состав работ уже был на выставке в Париже (закрылась 15 сентября 2019), до этого — в Сан Пауло, Рейкъявике и других городах.

    Куратор — Гуннар Б. Кваран. Директор Музея современного искусства Аструп-Фернли (Осло), бывший директор Художественного музея Рейкьявика и Художественного музея Бергена (Норвегия), куратор Лионской биеннале современного искусства 2013 года и сокуратор 2-й Московской биеннале современного искусства 2007 года.
    5
    первый этаж
    преобразователь пространства
    space transformer
    2009 год
    карточка
    Работа находится в холле музея, это первая работа, которую увидит зритель. На карточке написано: SPACE TRANSFORMER IS BEING BUILT. Этот текст — не сама инструкция, а результат ее выполнения. Сама инструкция звучит так: «Прикрепите карточку с надписью SPACE TRANSFORMER в комнате или к объекту, который вы хотите трансформировать». (Attach a card saying SPACE TRANSFORMER to the room and/or object you wish to transform).

    Работа относится к позднему периоду творчества Оно. С начала 70-х художница занималась преимущественно делами Леннона и музыкой - и вернулась в искусство только в конце 80-х. Поздние работы Йоко отличаются прямолинейностью, сосредоточенностью на теме мира без войны и преобразования мира к лучшему.

    Это отправная точка для всей выставки, так как с одной стороны объекты в залах будут меняться благодаря действиям зрителей, с другой — Йоко Оно таким образом словно захватывает все пространство музея. теперь трансформировано все здание, так как изменились отношения художник-зритель.
    Фильм №1
    Спичка
    1966
    (5:00)
    видео

    Первый фильм Йоко Оно, снятый в рамках движения Флюксус. Фильмы Флюксуса посвящены исследованию возможностей медиа. Они не рассказывают истории, не документируют событии, а фокусируются на отдельных, незначительных действиях.

    Фильм снят на камеру со скоростью 2 000 кадров в секунду вместо привычных 24 кадров, из-за чего процесс сгорания спички растягивается на пять минут.

    В основе фильма — самая ранняя инструкция Йоко Оно «Свет» (Lighting Piece) 1955 года: «Свет: зажгите спичку и наблюдайте за тем, как она гаснет»
    Фильм №4
    Ягодицы
    1966-1967 (80:00)
    видео
    На самом деле это шестнадцатый фильм Флюксуса. №4 в названии — отсылка к рабочему названию фильма — «Четыре квадрата».

    На экране друг за другом появляются ягодицы шагающих людей. Звуковым сопровождением выступают комментарии этих людей, рассуждающих о том, стоит ли сниматься в таком фильме и не будет ли его скучно смотреть зрителям. Саундрек так же содержит вставки из теленовостей и комментарий Йоко относительно концепции фильма.

    Съёмки проходили в Лондоне. В качестве моделей выступили местные знаменитости — художники, музыканты (например, художник Ричард Гамильтон).

    Это вторая версия, первая длилась 15 минут и была снята в 1966 году в Нью-Йорке в сотрудничестве с Тони Коксом (второй муж Йоко Оно) и Тони Перкинсом (известный актер).

    Премьера фильма должна была состоятся в здании Альберт-холла, но накануне фильм был снят с проката "по соображениям цензуры". На следующий день Йоко и несколько участников фильма устроили мирный протест перед зданием Британского Совета Классификации Фильмов. В результате фильм был разрешен к показу с пометкой 16+.

    Йоко: «для меня этот фильм не столько про ягодицы, сколько про определенный ритм, который вы не увидите в кино, даже в авангардном кино. Ритм в фильме сравним с ритмом в рок-музыке. Даже в мире музыки этого ритма не было до появления рока. Он ближе всего биению сердца».

    Йоко предлагает посмотреть на ту часть тела, которой либо пренебрегают, либо воспринимают через призму эротических коннотаций, с новой точки зрения. Интересно, как Йоко удается избежать привычных ассоциаций, связанных с этим образом, благодаря деталям: в центре внимания зрителя темный крест, который образуют складки между ягодицами. Благодаря этому раскрывается неожиданная индивидуальная форма движения — и форма ягодиц не кажется приманкой для зрителя, чего боялись многие участники проекта. Джордж Мачьюнас первым провел параллель со структурным кино. Представители этого движения в кинематографе в годы его расцвета — с конца 60-х до конца 70-х — исследовали формальные возможности кино (то есть непосредственно работой с формой: ритм, монтаж и тд), развенчивали создаваемую кино иллюзию и размышляли о сущности визуального восприятия.
    Фильм №5
    Улыбка
    1968 (51:00)
    видео
    Самый первый фильм, созданный в сотрудничестве с Ленноном (съёмки проходили в саду дома Леннона в Вейбридже), который выступает здесь в качестве модели. Относится к фильмам Флюксуса.

    На экране — трансформация лица от расслабленного состояния к улыбке, которую сложно уловить невооруженным взглядом. Фильм снят на камеру со скоростью 2 000 кадров в секунду вместо привычных 24 кадров. Это позволило растянуть действие, которое длилось 3 минуты на 52 минуты.

    По словам Оно, улыбка — «самый простой способ оздоровить себя и принести хорошее настроение окружающим».
    Изнасилование
    1969 (70:00)

    видео
    Совместная работа Оно и Леннона. Фильм был снят оператором Ником Ноулэндом согласно инструкции Йоко Оно. Сама художница не присутствовала на съемках. Инструкция: "Оператор с камерой преследует на улице девушку, пока не загонит ее в переулок, и по возможности, пока она не окажется в падении". Зритель наблюдает за тем, как оператор преследует на улице девушку вплоть до ее квартиры. По началу девушка не понимает, что происходит (она иностранка и не говорит по-английски), но ведет себя вполне дружелюбно. Со временем она начинает злиться. А когда оператор проникает за ней в квартиру — впадает в панику.

    Девушка (модель Ева Роудс) не знала о том, что происходит. Это было настоящее преследование. У Ноулэнда были ключи от квартиры Роудс (Йоко договорилась с ее сестрой), поэтому, когда в конце фильма девушка звонит сестре — она действительно напугана.

    "Мы демонстрируем, что все мы сегодня находимся на виду, под давлением. Это касается не только Битлз. То, что происходит с девушкой на экране, происходит так же в Биафре, Вьетнаме, везде".
    Муха
    1970
    (22:48)
    видео
    «Я всегда думала об идее полета. Меня всегда восхищал каламбур слов «муха» (fly») и «летать» (fly») в английском языке.

    Камера фиксирует передвижения мухи по женскому телу, которое превращается в ландшафт, при чем мы видим лишь его фрагменты.

    Йоко отмечает, что муха, свободно летающая по телу, олицетворяет стремление самой художницы к свободе — поэтому видео сопровождается звуками, которые производит художница, имитируя жужжание насекомого. С другой стороны, фильм демонстрирует пассивную роль, отводимую женщине в обществе (и на экране) в 1970-е годы.

    Йоко: "Идею мне подсказал комикс в газете. Мужчина смотрит на женщину в коротком платье, его жена говорит «На что ты смотришь!», а тот ей отвечает «Я смотрю на муху, которая по ней ползает». Мне хотелось, чтобы, смотря фильм, вы постоянно задавали себе вопрос - я разглядываю муху или я разглядываю тело? Мне кажется, жизнь во многом об этом. Мы постоянно обманываем себя по поводу того, что действительно видим".

    В 1971 году саундтрек вышел в составе одноименного альбома Fly, второго альбома Йоко Оно.
    Свобода
    1970 (1:00)
    видео
    Минутное видео снято в соавторстве с Ленноном, который сочинил и исполнил саундтрек.

    В фильме Йоко Оно пытается снять с себя фиолетовый бюстгалтер. Критик Скотт МакДональд в интервью с Йоко так прокомментировал работу: "Вы демонстрируете свободу как способность бороться за свободу, показывая тем самым, что никогда не были абсолютно свободны".

    Фильм похож на рекламный ролик, который эксплуатирует женское тело без головы: зритель подсознательно ждет, что нижнее белье расстегнется и мы увидим голую грудь. И в то же время фильм похож на опыты Флюксус: растянутое обыденное действие, вырванное из контекста; крупный план, условное пространство (здесь просто черный фон, а не спальня, ванная или что-то еще, женщина словно находится «в нигде», эта оторванность помогает сосредоточиться на самом действии, человек теряет свои отличительные черты — пример существования, а не частное лицо со своими переживаниями), ожидание окончания действия.
    лифт
    кашель
    1961
    (30:18)

    аудио
    На творчество Йоко Оно, как и других представителей Флюксуса, огромное влияние оказали идеи композитора Джона Кейджа. В частности — идея, что все есть музыка и что случайные, повседневные звуки заслуживают не меньшего внимания, чем профессиональная музыка.

    У Йоко Оно есть профессиональное музыкальное образование (скрипка, пианино, вокал). На протяжении всей своей карьеры художника Йоко Оно параллельно занималась авангардной музыкой, выступала с Ла Монте Янгом, записывала сольные альбомы и альбомы в соавторстве с Ленноном.

    Запись длится 30 минут 18 секунд, на протяжении которых мы слышим то кашель художницы, то посторонние шумы. Кашель в данном случае — это и непреднамеренный звук (то есть естественная физиологическая реакция) и сигнал о реакции на раздражитель (простуда, першение в горле, попадание «не в то горло» и тд), а также и способ очищения (освобождение потока воздуха). Кашель — это еще и внутренний голос, который обретает силу. Не случайно Йоко продлевает его звучание — дольше, чем это считается приемлемым в обществе.

    послушать
    1 зал
    Картина на потолке. «Да» картина
    1966/2019
    Минималистичность визуального языка Оно. Главным остаётся утверждение "ДА". Несмотря ни на что. Для того, чтобы увидеть этот ответ, зритель должен приложить усилия: подняться по стремянке. Как большинство экспонатов, работа создана из объектов, принадлежащих музею, а не привезена из архива автора. Это рушит привычные понятия подлинности и уникальности произведения искусства. Знакомство Оно с Джоном Ленноном состоялось перед открытием персональной выставки в галерее Indica. Работы "Да" и "Забей гвоздь" были первыми, которые он увидел.
    Картина, чтобы забить гвоздь
    1966/2019
    Радикальность Оно состоит в отказе от статуса «художника» и приглашение публики к созданию работы. Текст инструкции создан в 1961, тогда же представлен в сопровождении объекта (холста на деревянной панели, молотка на цепочке, стула и стоящей на нём банки с гвоздями) на дебютной персональной выставке в галерее Мачюнаса, AG Gallery; в 1962 в Токийском арт-центре Sogetsu работа, в числе прочих, выставлена исключительно в виде инструкции, переписанной первым мужем Оно, авангардным композитором Тоси Итиянаги, по-японски. Следуя оригинальному тексту, прибив гвоздь, зритель должен обмотать его прядью своих волос. Картина завершена, когда поверхность холста полностью покрыта гвоздями. В 1966 году прошла персональная выставка Оно в лондонской галерее Indica. Не исключено, что именно картина экспонировалась там в варианте без волос, поэтому у нашей работы такая датировка. В ММОМА текст инструкции представлен в сокращённой версии и не требует использования волос.
    Телефон
    1964/2019
    Аппарат, работающий лишь на приём звонков. Оно периодически звонит и общается с посетителем, смело поднявшим трубку. Этикетка сообщает: «Просьба ответить на звонок». Граница дистанции с художником нарушена. Ключевым выступает момент незапланированности. Зритель не знает, когда и зазвонит ли телефон, художник не знает, с кем будет общаться.

    На выставке в ММОМА звонить будет Йоко Оно
    Картина для рукопожатий
    1961/2019
    Дополнение к названию, в скобках: (картина для трусов). Текст работы был создан в 1961, но впервые опубликован в книге «Грейпфрут», 1964, где Оно представила серию инструкций и событий-партитур с указаниями действий зрителя. Оно призывает к общению «руками», переводя фокус внимания с вербального контакта на тактильный. В видео-версии работы за 2012 рука Оно в чёрной кружевной перчатке сама встречает собеседника.

    На выставке в ММОМА посетители будут жать руку друг другу через холст.
    2 зал
    Cleaning piece, 1996
    Очищение. 1996/2019
    Составьте пронумерованный список печалей в вашей жизни. Сложите друг на друга камни, соответствующие этим цифрам. Добавляйте камень каждый раз, когда вам грустно. Сожгите список и оцените красоту груды камней.
    Составьте пронумерованный список радостей в вашей жизни. Сложите друг на друга камни, соответствующие этим цифрам. Добавляйте камень каждый раз, когда вы счастливы. Сравните эту груду с грудой печалей.

    Это одна из инструкций из серии «Очищение» из книги «Жёлудь», второй книги инструкций Оно, опубликованной в 2013 году. Идея возникла в 1996 году, когда Оно придумала 100 инструкций для последовательного исполнения в течение 100 дней. Название «Жёлудь» по аналогии с перформансом Оно и Леннона 1968 года, когда они посадили два жёлудя на территории Собора в Ковентри (Англия), символизирующих мир. Они также разослали жёлуди лидерам стран по всем миру. Ровно через 40 лет в 2008 году Йоко Оно опубликовала их в виде ежедневных постов в своем блоге.

    В предисловии она написала: «Я просто сею семена. Веселитесь». По сравнению с инструкциями из первой книги «Грейпфрут» (1964) в «Жёлуде» инструкции менее поэтичны и больше пронизаны идеей «помоги себе сам». Инструкции сгруппированы по темам: небо, город, дом, времена года, чувства. В «Жёлуде» соседствует темы разных масштабов: природное, стихийное (земля/небо) и более приземленное, человеческое (шнурки/чашка горячего шоколада).
    Игра на доверии
    1966/2019
    Образ шахмат часто повляется в живописных работах, начиная со Средневековья. После авангардисты предлагают свой дизайн шахматных досок. Оно выкрашивает все фигурки в белый цвет, играя с идеей противостояния: игроки не различают границы поля. Белые фигурки сливаются с белой поверхностью доски, и становится невозможным увидеть, кто защищается и кто нападает. Ведётся поиск истинного соперника, вероятно, - себя самого. Из военной игры белый набор шахмат Оно становится свидетельством тотального единства.
    Water Piece (Поливайте каждый день)
    1963/2019
    В суть работы заложена почти медитативная практика повторяющихся действий, что схоже с забиванием гвоздя: «Поливай каждый день». Участие зрителей ведёт к созданию единства (физического: мы делаем это вместе, и ментального: мы придумываем это вместе), но и разрушает понятие уникального авторства.
    Картина, чтобы добавить в нее цвет
    1966/2019
    Полноправное участие зрителя обусловлено призывом художника. Без этого взаимодействия работа невозможна. Картину можно дополнить, можно полностью изменить. Свобода, ответственность за принятые решения и никакого диктата автора. Как и во всех предыдущих опытах коллективного творения, контроль за ситуацией не исходит от единого источника.
    3 зал
    отрежь
    1964
    Самый известный перформанс Йоко Оно, который она повторяла много раз. Например, в 2003 году в Париже, посвятив его событиям 11 сентября 2001 года.

    Впервые он был исполнен 20 июля 1964 года в Токио в рамках вечера «Концерт современной американской музыки».

    Во время первого исполнения перформанса один из зрителей взял ножницы, замахнулся на Йоко и простоял так неподвижно какое-то время. После этого инцидента один из друзей художницы всегда дежурил у сцены на случай, если кто-то попытается ее ранить. По словам Йоко, во время первого исполнения, зрители отрезали кусочки одежды очень осторожно.

    Механика перформанса: Йоко Оно выходит на сцену и зачитывает инструкцию. В инструкции говорится, что каждый может подняться на сцену и отрезать по кусочку от ее одежды и унести этот кусочек с собой. Потом Йоко Оно садится на пол в традиционную японскую позу сэйдза — пятки находятся точно под ягодицами, прямая спина, руки на коленях), и кладет перед собой ножницы и замолкает до окончания перформанса. Когда закончится перфоманс зависит только от зрителей.

    Так как в основе перформанса — инструкция, то повторить его может каждый.

    Для Йоко Оно этот перформанс в первую очередь связан с войной во Вьетнаме (лоскутки одежды напоминают одновременно раны и куски рваной одежды на убитом). Художница приносит в жертву свой любимый наряд (Йоко всегда надевала лучшую одежду), противопоставляя тем самым желанию забрать (жизнь) желание отдать, поделиться. В последствии эту работу стали все больше рассматривать с точки зрения борьбы за права женщин. Хотя в первоначальной инструкции Йоко не был указан пол исполнителя, а в поздней версии появилась подпись, что исполнителем может быть как женщина, так и мужчина.

    Развитием перформанса Йоко стал перформанс Марины Абрамович Ритм 0 (1974), в ходе которого Абрамович предоставила зрителям возможность воспользоваться любым из 72 предметов, выложенным на столе в галереи (среди них - роза, нож, заряженный пистолет, ножницы, хлыст, фонарик, виноград) и с его помощью как доставить удовольствие художнице, так и сделать ей больно (в ходе перформанса художница была раздета, ей были нанесены неглубокие раны, последний зритель наставил на Абрамович пистолет).

    В отличие от Абрамович, Оно частично контролировала развитие перформанса. Например, всякий раз, когда зрители срезали с нее белье, художница прикрывала руками обнаженную грудь (тем самым указывая на то, что обнаженное тело здесь не играет важной роли, так как речь идет о жертвенности).

    На выставке в ММОМА будет видеокументация перформанса.

    посмотреть
    4 зал
    Mend piece, 1966/2019
    Склеивайте
    Одна из первых и центральных работ, показывалась в ряде ретроспектив Оно. Важна метафора исцеления. Связь с традиционным японским искусством Кинцуги — технику реставрации разбитой или потрескавшейся керамики с использованием лака, смешанного с золотом или серебром, которым заполняются трещины. В философии кинцуги разрушение и реставрация рассматриваются как ценная часть истории объекта, которую не следует скрывать. По словам Оно, пока мы склеиваем чашку, где-то во Вселенной то, что нуждается в починке, тоже исправляется. При этом Оно предупреждает посетителей о риске порезаться — попытка исправить прошлое может причинить боль в настоящем.
    5 зал
    Water event
    Объекты для воды
    1971–2019

    Дорогие друзья-художники, я хочу попросить вас сделать сосуд для воды, чтобы давать ее определенным людям: или чтобы вылечить их разум (как в случае с военачальниками), или чтобы выразить восхищение их смелостью к высказыванию (как в случае с активистами). Ее также можно дать определенным человеку, людям или земле, которые отчаянно нуждаются в воде (любви). Мы с вами обеспечим их водой. Каждая из ваших работ будет выставлена в музее и сопровождена посвящением.

    Давайте повеселимся и сделаем это вместе.

    С любовью и уважением.

    Йоко



    Работы были сделаны современными художниками из России.
    Описания работ дали сами художники.
    Работа Ивана Новикова
    Старая советская люстра без плафонов лежит на полу. Она затерялась в истории социальных перемен и сегодня оказалась неуместной в новых интерьерах. Её дизайн создан был для стран Варшавского договора, тех «народных демократий» что взяли курс на социализм. И, конечно, после «конца истории» в новом капиталистическом режиме мировосприятия – эстетика этой люстры стала анахронизмом.

    Однако, сегодня в России идея альтернативного социального миропорядка имеет массу сторонников. Светочем этого коммунистического бытия является новый глобальный партнер – Китайская Народная Республика. Через экспорт товаров массового потребления, продуктов питания, фруктов она приносит, казалось бы, забытую реальность прошлого. Эта тихая, но волшебная эманация прошлого освещает настоящее светом утопии.
    Работа Максима Спивакова
    Впрочем, это не то чтобы ребус, требующий единственного и однозначного ключа для расшифровки заложенного в него (и единственного) значения. Тем не менее здесь, разумеется, есть прямая отсылка к жесту протянутой руки с перевернутым головным убором — жесту скорее просящему, чем приветствующему. При этом в головном уборе, кепке, лежит булыжник, возможно брошенный вместо подаяния, превращающий ее в оружие — нечто вроде пращи Давида с булыжником пролетария. С другой стороны это отсылка к средневековой идее о «камне глупости», который умелый хирург может удалить из головы. Согласно инструкции Оно кепка становится резервуаром для воды, неспособным ее удержать, вода — не менее странное наполнения для такого сосуда, чем камень.
    Работа АСИ
    Чашу сферической формы из металла с двойным дном
    d80 см, высота приблизительно 15 см. Первое дно, то, что можно будет видеть сверху полностью закрыто черно-белом изображением с отверстием посередине. Изображение — фотография, сделанная спутником в 70-ые годы, подтверждающая, что якобы вместо северного полюса в Земле есть отверстие (фото в приложении). Чаша устанавливается на подиум размером приблизительно 50 (высота) х 120 х 120 см.

    Симзонианская республика - утопическая демократическая страна, расположенная в полой Земле (Теория полой Земли - часто употребляемое название псевдонаучных и мистических гипотез о существовании внутри Земли обширной полости или полостей, размеры которых сравнимы с размерами самой Земли.). Основное свидетельство её существования - это фотография, сделанная в январе 1968 спутником ESSA-7. Фото иллюстрирует вход в Симзонию в Северном Ледовитом океане. Сама фотография напечатана на внутренней части чаши. Проход в Симзонию совпадает с отверстием чаши, которое ведет ко второму, скрытому дну под фото.Анонимный путешественник назвал Симзонию в честь Джона Симмза, который первым предположил, что во внутренней части Земли есть обитаемое пространство.

    Взгляд зрителя совпадает с положением съёмки спутника или со взором наблюдателя, стоящего в центре маленькой впадины "вселенной" этой чаши.Чаша - не только вещь. В «Вещи», эссе Мартина Хайдеггера, в качестве примера рассматривается как раз чаша. Анализируя сложный характер бытия вещи, философ поэтически описывает ее как «хоровод земли и неба, богов и смертных». Это означает, что "вещность" вещи заключается не только в ее материальности или функции, но и в ее социальной природе. В латинском языке «вещь» - это «res», а «вещь публичная» - «res public».

    Работа Светы Шуваевой
    Вода сама превращается в сосуд — вазу, для хранения которого нужна морозильная камера.
    Работа Ольги Кройтор
    (без картинки)
    Гипсовая подушка лежа, в ней выемка (как для головы человека когда он спит), туда наливаем воду и сверху светим на эту воду проекцию. На проекции — видео художницы.
    6 зал
    Прикосновение
    Прикасайтесь друг к другу
    зима 1963/2019
    Оригинальное название работы (в инструкции 1963 года) - "Поэма прикосновения для группы людей". Зрителей приглашают дотрагиваться друг до друга в темноте. У некоторых могут быть завязаны глаза, другие могут найти карандаши и написать сообщения на стенах, так подвергая испытанию чувства интимности и приватности. У нас на выставке карандашей не будет.

    Работа была воспроизведена в 2014 году на выставке "14 комнат", которая проходила в рамках Art Basel. Кураторы выставки, Ханс Ульрих Обрист и Клаус Бизенбах, пригласили 14 художников, которым было предложено (каждому в своей комнате) исследовать отношения между пространством, временем и телом человекам. Важным условием стало то, что материалом для произведения должен был стать сам человек. В 2015 году работа также была воспроизведена на ретроспективной выставке Йоко "Шоу одной женщины" (МОМА).

    На сайте МОМА Йоко дает следующий комментарий: "Все мое искусство на самом деле было не про тело. Прикосновение тоже может быть умозрительным. Но в том время я правда хотела, чтобы люди трогали друг друга, физически, потому что мы никогда не делали этого. Даже сейчас мы не становимся ближе, а наоборот отдаляемся друг от друга. Я говорила людям, чтобы они трогали первого попавшегося человека, возможно, того, кто находился рядом. … Я не подталкивала их, они могли делать это умозрительно. Возможно, это первый шаг на встречу будущему, когда это будет возможно сделать".


    7 зал
    Шлемы — кусочек неба
    2003/2019
    По инструкции 2001 года. Первоначально инсталляция выглядела так: солдатские каски подвешены на лески к потолку. Каждая из них заполнена кусочками паззла, изображающими фрагменты неба; рядом на полу три горки земли с надписями Страна А, В и С; за ними — постер 1969 года «Война окончена (если вы хотите)», знаменитый лозунг Джона и Йоко. Оно предполагает, что посетители заберут с собой по кусочку паззла и потом встретятся, чтобы собрать паззл с общим небом, что, конечно, невозможно. Тема борьбы за мир — ключевая для Оно. Во время Второй Мировой Оно вместе с семьей пережила разрушительную бомбардировку Токио. В 60-е в Америке подключилась к движению борьбы за мир, которое активно развернулось во время войны во Вьетнаме.
    Карта воображаемого мира (Imagine map Piece)
    2003/2019
    Посетители могут печатью или стикерами добавлять мир (фразу Imagine peace) на карту мира туда, где это необходимо. Сила воображения — одна из главных тем в творчестве Оно. Инструкции без воображения не имели бы никакого смысла. Сам призыв «Imagine» прочно ассоциируется с парой Леннон-Оно. Imagine (с одноименной песней) — второй полноценный сольный альбом Джона Леннона, вышедший в 1971 году. В некотором смысле, эта пластинка стала продолжением «John Lennon/Plastic Ono Band», вышедшего на год раньше, однако «Imagine» содержит больше песен с политическим подтекстом. Тогда Леннон-Оно выпустили совместный одноименный фильм о записи альбома. После гибели Леннона Оно продолжала использовать лозунг Imagine, в том числе в мемориальных целях. В 2007 году недалеко от Рейкьявика, Исландия, Оно установила мемориал Леннону — Imagine Peace Tower. Это пьедестал из белого камня, на котором высечены слова «Представьте себе мир» на 24 языках. Сама же «башня» образуется лучами света, направленными в небо. Самая известная акция Оно и Леннона — «В постели за мир» (1969, Монреаль/Канада, потом Амстердам/Нидерланды). Молодожены пригласили журналистов к себе в спальню и провели в кровати 7 дней.
    8 зал
    Мешок
    1964/2019
    Особенность творчества Оно — ей не всегда нужна аудитория, но всегда нужны участники. Перформанс по инструкции. Посетителям предлагается залезть в мешок, раздеться (можно вместе или по отдельности), подвигаться/потанцевать/поспать, потом одеться и выбраться наружу. Ткань просвечивает, и участник может видеть публику, но сам спрятан от чужих взглядов — участник одновременно видимый и невидимый. Можно делать в парах, в разных мешках. «Мешок» связан с багизмом (bagism), «учением» Оно и Леннона, придуманном как часть их кампании борьбы за мир (представили на пресс-конференции в Вене в 1969 году). Это сатира на стереотипные суждения о человеке по внешности. Не видя человека, слушатель воспринимает его сообщение в чистом виде, не обращая внимания на расу/национальность/пол и т.п. По словам Оно вдохновением стала фраза Лиса в «Маленьком принце» Экзюпери: «Зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь».
    Мама красивая
    1997/2019
    Инсталляция впервые была сделана в 2004 году, на разных площадках выглядит по-разному. После завершения проекта Оно просит присылать ей все листки с историями и фотографии. На главной странице сайта Оно опубликовала фото с матерью и написала обращение с просьбу о прощении за то, что не знала, как она страдала. На фейсбуке создана одноименная страница, на которую можно выкладывать фото своих матерей и писать истории о них. Тема материнства появляется в творчестве Оно с начала 1960-х годов и продолжает развиваться до сих пор, появляясь в том числе и в музыке Plastic Ono Band. Некоторые произведения содержат душераздирающие образы потерянных или исчезнувших детей (Оно выносила не всех детей, родила двоих: Кёко Кокс, от второго брака, отсудила опекунство, но бывший муж фактически выкрал девочку, Шон Леннон, рожала в 42, врачи были против). В то же время для Оно важной является идея того, что воспитание детей является высшим актом художественного самовыражения. Эти различные, иногда противоречивые изображения материнства отражают личный опыт Оно, а также пересекаются с дискуссиями о материнстве феминисток второй волны, которые рассматривали способность женщины рожать одновременно как причину ее несвободы, так и источник женской силы и власти.

    Игра на доверии
    1966/2019
    Образ шахмат часто повляется в живописных работах, начиная со Средневековья. После авангардисты предлагают свой дизайн шахматных досок. Оно выкрашивает все фигурки в белый цвет, играя с идеей противостояния: игроки не различают границы поля. Белые фигурки сливаются с белой поверхностью доски, и становится невозможным увидеть, кто защищается и кто нападает. Ведётся поиск истинного соперника, вероятно, - себя самого. Из военной игры белый набор шахмат Оно становится свидетельством тотального единства.

    9 зал
    Восставая
    2013/2016/2019
    Инсталляция сделана при участии аудитории. Истории женщин, которые пострадали за то, что были женщинами. На сайте проекта опубликован призыв присылать свои истории и фотографии глаз. Оно просит подписать имя, но при этом не фамилию, чтобы сохранить анонимность. Проект длится во времени, набор открыт. Можно писать на любом языке, степень откровенности определяют сами отправительницы. На новых выставках представляют новые истории. Rising – трек с одноименного альбома Йоко Оно, выпущенного в 1995 году. Записала его вместе со своим сыном Шоном Ленноном и его другом. Оно попросила подростков сыграть одну повторяющуюся мелодию на протяжении всего трека. Это была импровизация, без репетиций, записали сразу. Оно сосредоточилась на создании звуков, которые, по ее мнению, могут издавать только женщины. Результат, по ее словам, «основан на голосе женщины, которая много страдала. Эта женщина — это я».

    На выставке в ММОМА будет представлена часть архива, собранного художницей.
    задать
    вопрос




    Если у вас есть вопрос, то, пожалуйста, напишите его в общий чат MMOMA team или на почту Ксении maas@mmoma.ru.

    Мы будем благодарны, если вы будете собирать интересные/странные/смешные/непонятные вопросы от посетителей. Их тоже отправляйте на maas@mmoma.ru.
    При необходимости мы сделаем обновление на сайте с ответами на эти вопросы.

    Спасибо!
    This site was made on Tilda — a website builder that helps to create a website without any code
    Create a website